Photo by Mel Castro (@melhummel)
Jörg Hüttner:
シンセサイザーと映画音楽の融合
Jörg Hüttner（ヨルグ・ヒュットナー）は、ドイツの映画音楽作曲家、シンセサイザープログラマー、そしてサウンドデザイナーです。彼の作品は、エレクトロニックミュージックと映画音楽の世界を繋ぐ橋渡し的な存在です。ドイツ、ウルム生まれのヨルグの音楽への道は、幼少期に始まりました。ピアノのレッスンを受け始めた彼は、デペッシュ・モードやジャン＝ミシェル・ジャールといったアーティストのエレクトロニックサウンドに魅了され、すぐに自分の道を見出しました。15歳になる頃には、既に最初のシンセサイザーで音作りを始めており、それは生涯の情熱へと繋がる道でした。
2007年3月、ハンス・ジマーの勧めで、ヨルグは映画音楽のキャリアを追求するため、カリフォルニア州サンタモニカへ移住しました。以来、映画音楽界で精力的に活動を続け、30本以上の映画に携わり、テレビ番組や予告編の楽曲を数多く手掛け、2018年にはエミー賞のニュース＆ドキュメンタリー部門にノミネートされました。ヨルグは、『ガール・オン・ア・トレイン』、『フィフティ・シェイズ・オブ・グレイ』、『インデペンデンス・デイ：リサージェンス』、『ハウ・イット・エンズ』、『アーミー・オブ・シーヴズ』といった映画のエレクトロニック・ミュージックや、HBO のドキュメンタリー『シリアからの叫び』などにも貢献しています。
長年にわたり、ハリウッド映画音楽の制作に携わるだけでなく、シンセサイザーメーカーのファクトリープリセットもデザインしてきました。ヨルグと Waldorf Music の繋がりは深く、熱烈なシンセサイザー愛好家である彼は、何十年にもわたり Waldorf 製品を使用し、伝説の Waldorf Wave を最も愛用するシンセとして挙げています。サウンドデザイナーとして、ヨルグはWaldorf Quantum シンセサイザーに 30種類のファクトリープリセットを提供し、この楽器の幅広いサウンドの可能性を示しました。これらのサウンドは、同じサウンドエンジンを搭載したWaldorf のデスクトップおよびキーボードシンセサイザー「Iridium」にも搭載されています。ウェーブテーブルシンセシスと革新的なサウンドクリエーションへの情熱は、彼を Waldorf ファミリーに完璧に溶け込ませています。
ヨルグは、2015年からアメリカ作曲家・著述家・出版者協会（ASCAP）の会員であり、2016年からはアメリカ作曲家・作詞家協会（SCL）の会員でもあります。注目すべきは、2019年10月11日にヨルグがデビュー・アーティスト・プロジェクト『War of Roses』をリリースしたことです。
ヨルグ・ヒュットナーは、音楽の枠にとらわれない探求心を持つアーティストであり、シンセサイザーと音楽の可能性の限界を常に押し広げています。映画音楽や自身の音楽プロジェクトに取り組んでいない時は、スタジオでダークなインダストリアルトーンから豊かなアンビエントグルーヴまで、そしてエレクトロニカ、ポップ、ロック、メタルなど、様々なジャンルを駆使した実験的な制作に取り組んでいます。
Waldorf Music は彼にインタビューし、彼の創作プロセスについて詳しく知る機会に恵まれました。
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アーティストとして自分自身をどのように紹介しますか？
カリフォルニア州サンタモニカを拠点とする作曲家、音楽プロデューサー、シンセサイザープログラマーです。映画、テレビ、その他あらゆるメディア、そして自動車メーカーなどの企業クライアント向けに楽曲制作とサウンドデザインを行っています。また、ハードウェアとソフトウェアの楽器のサウンドデザインも手掛けています。
音楽を作り始めたきっかけは何ですか？
初めてシンセサイザーを買ったのは15歳の時でした。シンセサイザーの使い方を理解するのに時間がかかり、シーケンス機能もなかったので、最初の手順はそれほど複雑ではありませんでした。そのため、1年ほど後にハードウェアシーケンサーを購入するまで、アイデアを保存することができませんでした。それ以降は、少なくともMIDI形式でアイデアを保存できるようになりました。これは、コンピューターがシーケンスに広く普及する前のことであり、ましてやレコーディングなどできるはずもありませんでした。
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あなたの最初のシンセは何でしたか？
それは Roland D-10 でした。D-50 の弟分のような存在でした。当時、私が買えたのはこれだけでした。サンプル音源も含め、幅広い音色を生み出せましたが、今日の基準からすると、音質はそれほど優れているとは言えませんでした。ユーザーインターフェースも、今のシンセサイザーの性能と比べると、まるで悪夢でした。そこで、アイデアを録音するための次のデバイスとして、Roland MV-30 ハードウェアシーケンサーを購入しました。
現在、スタジオで使用している主要なハードウェアやソフトウェアは何ですか？スタジオに「必須」のツールは何ですか？シンセサイザー以外で、スタジオで欠かせないお気に入りの機材は何ですか？
私のスタジオの中心には、新しくて充実したMac Proがあります。周りにたくさんのハードウェアがあっても、ほとんどの作業は「Mac Pro」の中で完結しています。今の時代のコンピューターシステムのパフォーマンス、静音性、そして安定性には本当に感謝しています。
ハードウェアに関しては、「Iridium」がデスクのすぐ隣にあるので、よく使っています。他に使っているハードウェアシンセは、Sequentialの「Pro3 SE」、Moogの「Subsequent37」、ASMの「HydraSynth」、Elektronの「Syntakt」、Arturiaの「MatrixBrute」、そしてカスタム構成のEurorackモジュラーシステムです。
作曲にはSteinbergの最新DAW「Cubase Pro」を使用しています。お気に入りのインストゥルメントプラグインには、u-heの「Zebra2」と「Diva」、NIの「Kontakt 8」、Modarttの「Pianoteq 8」、Arturiaの「Pigments」、そして同社の様々なシンセ、エフェクト、ディストーションプラグインなどがあります。その他のエフェクト、ミキシング、プロセッシングプラグインは、PSP Audioware、Valhalla DSP、FabFilter、SoundToys、Oeksoundなどから入手しています。
それから、ATC SMC25A Proスピーカーも大好きです。良い音のスピーカーセットは決して侮れません。
新しいシンセにアプローチするときに最初にすることは何ですか？
まずは基本的なユニットパッチを入手し、そこから進めていきます。こうすることで、オシレーターやフィルターなどで何ができるのか、そして既成のパッチの影響を受けずにユニットが実際にどのように鳴るのかを把握するのに役立ちます。インターフェースが直感的でない場合は、マニュアルやビデオをざっと見ることもありますが、ほとんどの場合、それらは必要ありません。次に、現在取り組んでいるプロジェクトで実際に使用して、より深く理解し、機能などについて学ぶこともあります。
プリセットを使用しますか？独自のサウンドをパッチしますか？
99%の確率で、私は自分でパッチをデザインします。実際、パッチを延々とスクロールしていくよりも、ゼロから始める方が早い場合が多いです。パッチをスクロールしていくのは、皆さんが想像する以上に時間がかかります。
シンセサイザーで最も気に入っている点は何ですか？
音質、ビルド品質、機能やメニューなどを直感的に操作する方法。 良いシンセサイザーなら、マニュアルを見なくてもほとんどの操作ができます。そして、革新性も重要です！クラシックシンセの再現は素晴らしいですが、メーカーが新しいアプローチ、新しいサウンドエンジン、その他の斬新な機能に挑戦していることに、より興味があります。
あなたの音楽において、Waldorf シンセサイザーはどのような役割を果たしていますか？
Waldorf のシンセサイザーは私の音楽活動において大きな役割を果たしており、アメリカに移住した理由の一つでもあります。90年代初頭に Waldorf のシンセサイザーの大ファンになり、「Pulse」を買ったのは確か 95年だったと思います。今でもラックに収まっています。98年から Waldorf のサウンドデザインを始めましたが、「Q」と「Microwave XT」のサウンドがロサンゼルスの作曲家たちの興味を引いたことがきっかけで、個人的な繋がりができ、後に最初のプロジェクトへと繋がりました。Waldorf の製品サポートも数年間担当し、音楽トレードショーのブースで働いていたことも、この活動に大きく貢献しました。
あなたの音楽のインスピレーションは何ですか？作品にインスピレーションを与える作曲家、ミュージシャン、ジャンル、文化的伝統、あるいは音楽スタイルはありますか？その影響は、時間とともにどのように変化してきましたか？
エレクトロニック・ミュージックへの興味は、9歳の時に初めてデペッシュ・モードのレコードを買った時に始まりました。音楽の世界に入り、それを職業にしようと決めたのは、彼らのおかげです。他にも、ジャン＝ミシェル・ジャールや、ウルトラヴォックス、フランキー・ゴーズ・トゥ・ハリウッド、プロパガンダといった80年代のバンドから影響を受けました。
7歳か8歳からピアノを習っていましたが、習わなければならなかったクラシック音楽はあまり好きではありませんでした。クラシック音楽に惹かれたのは後になってからです。90年代初頭には、スキニー・パピー、ナイン・インチ・ネイルズ、ザ・プロディジー、マッシヴ・アタックといったインダストリアル系のバンドが数多くレコードコレクションに加わりました。90年代後半には映画音楽への興味が高まり、全く別のジャンルでない限り、今の作品にもこれらの音楽の影響が見られます。
スタジオ作業で、最も多い時間帯は何時ですか？
私は昔から夜型人間で、今もそうです。一日は事務作業やトレーニングで始まるので、スタジオに着くのは午後2時～3時頃になることが多いです。締め切りなどに追われていなければ、大体午後10時～11時頃にはスタジオを出発します。
新しいプロジェクトを開始するときの典型的なワークフローは何ですか？
それは難しい質問ですね。プロジェクトの内容や、そのプロジェクトに何が必要なのかによって常に変わります。作曲家やプロジェクトのためにシンセサイザーのプログラミングやサウンドデザインをする必要がある場合は、まず最初のアイデアを聞き、作曲家と電話で相談しながら、必要な情報や要望についてアイデアをもらいます。企業プロジェクトの場合は、ブランドアイデンティティ、マーケティング資料や調査、顧客からの概要などが大きく影響します。映画やプロジェクトのために作曲する場合は、ストーリー、脚本、仮の楽曲などに影響されます。毎回同じではないので、それがこの仕事の面白さでもあります。
アイデアをスケッチし始めるときに、好みのツールやテクニックはありますか？
あまりないですね。サンプルをグラニュラーエンジンに取り込むこともあるので。あるいは、頭に浮かんだメロディーをピアノで（iPhoneでも）さっと録音してみたり、ボイスメモを短く録音したり。シンセをいじってみて、そこからアイデアがひらめくこともあります。プロジェクトのアウトラインから影響を受ければ受けるほど、通常は着手しやすくなります。
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サードパーティによる他者向け制作と個人プロジェクトのバランスをどのように管理していますか？
一言で言えば、ひどいです。自分の音楽にもっと集中すべきです。褒め言葉をたくさんいただいているのに、生活費を稼がないといけないので、断ることはほとんどありません。中には、絶対に逃したくない、やりがいのある挑戦が待っているプロジェクトもあります。とはいえ、近いうちにまた自分のプロジェクトに集中できるようになることを願っています。
作曲家、サウンドデザイナー、シンセサイザープログラマーとして、様々なスタイルの映画やプロジェクトに数多く携わってきました。様々な物語に合わせて、どのようにサウンドを調整しているのですか？
クライアントから指示をもらうことが最初のステップです。これによって、プロジェクトで使用するツールが決まります。例えば、プロジェクトが難しく、インダストリアルな影響を受けているほど、モジュラーシンセが焦点になります。サウンドデザインに使用するために録音データが送られてくることもありますが、その時点で既に明確な方向性が示されています。プロジェクトを共有する必要がある場合は、完全に「箱の中に」収まる可能性が高いです。
同様に、シンセサイザーメーカー向けのサウンドをデザインする際には、創造性と技術的要件のバランスをどのように取るのでしょうか?
最初の数種類のサウンドは、新しいデバイスやソフトウェアを試してみて、それがどんな風に繋がるのかを体験できるので、最も楽しい時が多いです。場合によっては、ベース、パッド、リードなど、特定の種類のサウンドを特定の数だけリクエストされることもあります。特定の種類のサウンドのアイデアがほとんどだと、制限される可能性があります。過去に大規模なサウンドセットを制作した経験から、デザインするサウンドの数が増えるほど、ある時点でアイデアが尽きてしまうと難しくなることを実感しています。しかし、それは楽器の汎用性にも左右されます。
現在、どのようなプロジェクトに取り組んでいますか？
ミュンヘンの同僚と共同でプロジェクトを終えたところです。これはカー・エンターテイメント・システムの企業プロジェクトで、2025年初頭のCESで発表される予定です。正式に発表されるまで詳しくはお話しできませんが、Harman Kardon社向けのプロジェクトでした。 私が現在仕上げているもう一つのプロジェクトは、ドイツ系ギリシャ人歌手SOFI（Deadmau5の「SOFI needs a ladder」などで知られる）とのビッグビートの現代的解釈で、プロダクションライブラリ/トレーラーミュージック会社の同期配置用として制作しています。